Björn Siller

Seit dem 30. Juni und noch bis zum August 2021 findet sich in der ZDF-Mediathek ein Film mit den ersten Bildern der Nachkriegszeit.

1945, schon im Mai flogen wieder amerikanische Bomber über Deutschland. Diesmal nicht um Städte zu bombardieren sondern als touristisches Angebot für die Armeemitglieder. Auf zwei Routen, und in über 2000 Flügen, sahen die teilnehmenden Personen unter dem Namen „Trolley-Mission“ die Ergebnisse des Bombenkrieges. Städte, die Mondlandschaften und unbelebten Kratern glichen, sind auf damals gemachten Bildern und Filmaufnahmen zu sehen. Eine Stadt, die besonders dabei in den Blick kommt ist Düren (NRW). Die Stadt wurde zu 99% zerstört und trotzdem, auch wenn es sich hier um eine „zu Staub zermahlene Stadt“ handelte, begann schon gleich nach dem Krieg hier wieder das Leben und der Aufbau.

Weitere Aufnahmen die in diesem Film gezeigt werden sind jene von der Hobby-Filmerin Elisabeth Wilms aus Düsseldorf. Ihre Aufnahmen aus den ersten Wochen und Monaten der Nachkriegszeit werden in diesem Film vorgestellt und als erste deutsche „Bewegtbilder“ nach dem Krieg angesehen, die einen unverstellten Blick auf den Alltag in Trümmern bieten.

Als dritter Aspekt greift der Film eine amerikanische Wirtschaftsdelegation auf, die 1947 Deutschland besucht und den wirtschaftlichen Zustand Deutschlands untersucht. Dabei zeigt der Film, das die Delegation erkannte, dass zwar die Städte stark zerstört waren aber nicht die Wirtschaftseinrichtungen. Die deutsche Wirtschaftskraft war nach dem Krieg sogar höher als 1936. Die Förderung dieser Wirtschaft ab Herbst 1947 ist ein Grundstein für den schnellen Aufbau.

Unter dem Thema Aufbau lässt sich der vierte Themenkreis des Filmes benennen. Einmal geht es hier um den Mythos der Trümmerfrauen, genauer um die damals entstandene Bilder dieser Frauen, die – zwischenzeitlich bekannt – oft gestellte Aufnahmen sind. Zwar gab es Trümmerfrauen, die Aufnahmen dieser Frauen kann man aber in der Kleidung unterscheiden. Auch waren das oft keine unbelasteten Persönlichkeiten. Es waren Aktionen, die den Frauen Lohn /Lebensmittelkarten verschafften und/oder (so in München) Sühne und Strafarbeiten die die Frauen des NS-Systems abzurichten hatten (Urteil Spruchkammer). Auch wenn das heroischen Bild der klassischen Trümmerfrau der Schulbücher so nicht stimmen mag, waren die Frauen damals Trümmerfrauen, die große Leistungen vollbrachten, denn sie waren es, die den Trümmeralltag bewältigten und meisterten.

Die Aufbauarbeiten der verschiedenen Städte werden teilweise im Film weiter angesprochen. Am zentralsten jedoch die Prozesse in Frankfurt, die nicht gleich Menschen in die Trümmer schickten sondern einen strukturierten Plan des Aufbaus entwickelten, bis hin zur Gründung einer städtischen Trümmerverwertungsfirma, die aus dem Schutt neues Baumaterial produzierte.

Der Film besticht mit seinen Aufnahmen, sowohl jene in schwarz-weiß wie in Farbe. Er bietet Einblicke in eine ganz eigene Zeit und in einen Lebensalltag, der uns heute unvorstellbar erscheint. Die Bilder die wir hier sehen sind uns so fremd wie jene aus aktuellen Kriegsgebieten. Das Aufgreifen der verschiedenen Themen, die Tourismusflüge, Aufbaumaßnahmen, Trümmerfrauen, Schwedenspeissung in Hamburg, Themen des Kriegsende, Wirtschaftskraft und viele sonstige Fakten mehr führt aber dazu, dass der Film fast überladen erscheint und kaum inhaltlich in die Tiefe geht. Eventuell wäre es schöner gewesen, wenn man hier den Bildern mehr Zeit für eine eigene Sprache gegeben hätte.

Gleichtrott, trostlos! Jede Nacht ist der Straßenreiniger Bodo auf den Straßen der Großstadt im Dienst. Dabei macht er in einer der Nächte eine Entdeckung. Als er in die hell erleuchteten Fenster einer Galerie blickt sieht er feiernde Menschen zur Eröffnung einer Vernissage und entdeckt unter den Kunstgegenständen etwas, das seinen Arbeitsalltag verändern wird. Bodo tritt aus dem Gleichtrott heraus, er ist plötzlich (wieder) „sichtbar“!

Der Film kommt ohne Farbe und ohne Sprache aus und dennoch wird hier eine Geschichte eindrucksvoll erzählt. Eine Geschichte über die Arbeit, über ihren Wert und über die Würde der Arbeitenden. 

Ein wunderbarer Film, der großartig zur Botschaft Papst Franziskus passt, der seine Mahnung unterstützt den Blick auf die Menschen „an den Rändern“ zu werfen.

Wert der Arbeit. Kurzspielfilm s/w, Deutschland 2015, 7,38 Min.

Bild: Screenshot, Verleih Shortfilm.

Seit dem 03. April gibt es in der ZDFmediathek die Serie für und über unsere gerade besondere Zeit. Früher als so manch einer gedacht, wird Corona im Film verarbeitet. Braucht‘s das eigentlich?

Mit „Drinnen“ bringt ZDFneo eine Comedyserie rund um den für uns alle alltäglichen Wahnsinn. Charlotte, in Berlin lebend, arbeitet Coronabedingt im Homeoffice für ihre Werbeagentur, bei der sie, die Chefin hat Corona, nun auch die Leitung übernehmen muss. Das ist nicht alles. Beziehungsprobleme, ein Mann, der gerade mit ihren Kindern in Brandenburg ist und nicht versteht warum er dort bleiben soll, eine Schwester in Thailand und zwei äußerst aktive Eltern. Zwischen Alltag und ganz normalem Wahnsinn kommen dann noch die großen Fragen, die sicherlich viele bewegen: Angst, Zukunftssorgen, Tod, Krankheit, Liebe, Einsamkeit, …

Die Miniserie ist auf 15 Folgen konzipiert und wurde ganz im Homeoffice produziert. Aber keine Panik, verwackelte Bilder, Tonbrüche und all das was wir selbst von unserem Alltag aktuell kennen, ist hier nicht Grundlage, sondern gezielt eingesetzt, um eben die Situation zu beschreiben. Die daraus heraus entstehende Komik mag den einen nicht erfreuen, den anderen erst recht, wenn er sich bewusst wird, dass es sich hier um Situationen handelt, die er selbst erlebt bzw. prägt.

Serien und Filme sind unter anderem dann erfolgreich und/oder witzig und damit unterhaltsam, wenn die Zuschauenden hier Verbindungen herstellen können, wenn sie aus ihrem Alltag herausgenommen werden, um diesen ein paar Minuten zu vergessen. Dies schaffen die Folgen, unter anderem, weil sie auch so wohltuend kurz sind und deshalb hier auch keine Langeweile entsteht.

Die Folgen sind in der ZDFmediathek und in ZDFneo zu finden und bieten eine gute Unterhaltung für zwischendurch. Viel Freude dabei!

Bildrechte: ZDFneo 2020

Am Samstag, 18.04. strahlt 3Sat eine Dokumentarverfilmung des Briefwechsels von Ingeborg Bachmann und Paul Celan aus.

Dabei handelt es sich um den im Jahr 2016 auf der Berlinale vorgestellten Film „Die Geträumten“, eine Dokumentation die sich zentral auf die Aufnahme der Gedichte zwischen Ingeborg Bachmann und Paul Celan in einem Tonstudio in Wien konzentriert.

Grundlage des Filmes sind die Briefe, die im Jahr 2008 im Suhrkamp Verlag verlegt und damit damals zum ersten Mal der Öffentlichkeit vorgestellt wurden.

Anja Plaschg (Ingeborg Bachmann) und Laurence Rupp (Paul Celan) werden bei der Rezitation der Briefe gefilmt aber auch in den Pausen, in den Zeiten zwischen den einzelnen Aufzeichnungen. So dringen zwischen die Worte der beiden verstorbenen Liebenden der Alltag. Gespräche über Belangloses wird verwoben mit dem Nachklang der Worte der beiden großen und prägenden Lyriker des 20. Jahrhunderts. Dadurch, dass es keine weitere Wissensvermittlung zu Celan und Bachmann gibt, treten die historische Persönlichkeiten in den Hintergrund. Bestehen bleiben nur die Gefühle, die Liebe und die Abneigung, der Lebens- und Liebeskampf beider, der sich fast noch stärker abzeichnet im Kontext des pragmatischen und doch eintönigen Zwischenspiels der beiden Akteure. Die Worte werden klarer, schneidender und prallen voll und absolut auf den Hörenden.

Die Regisseurin Ruth Beckermann wollte mit dieser Dokumentation zur Reflexion motivieren. Sie will den Film als Impuls zur Reaktion gerade jüngerer Menschen sehen, denn diese Liebesbeziehung voller Liebe und Schmerz, die sich in diesen über 260 Seiten langem Briefkonvolut zeigt, ist, trotz der lyrischen Sprache, ein modernes Drama, das eventuell gerade heute anspricht.

Beitragsbild: Rechte bei www.absolutmedien.de

Für eine Publikation habe ich einige Filme besprechen dürfen. Ein Film, den ich ausgesucht habe dazu hieß: „Der Unbekannte“. Dabei handelte es sich eher um eine Weihnachtsgeschichte. Am Weihnachtsabend klopft es an der Tür eines Klosters. Die Brüder sind beim Essen und laden den Gast, der angeklopft hat zum Essen ein. Sie machen ihm Platz, bieten ihm Essen an. Sie handeln, wie der Herr es fordert. Sie geben ihm einen Ort zum Bleiben, sie geben ihm Essen und Trinken und – als sie sehen, dass seine Hände verbunden sind – wollen sie auch seine Wunden säubern und neu verbinden.

Doch unter dem Binden zeigen sich Wunden an eben jenen Stellen, die Jesus auszeichnen. Die Sehenden können es nicht glauben, der eine blinde Bruder, tastet das Gesicht des Buchers ab und erkennt: Es ist der Herr!

Allen ist es klar, wer da in ihrer Mitte Platz genommen hat. Doch sie sind überfordert, sie kommen damit nicht zurecht – und sie bitten den Gast zu gehen!

Heute feiern wir den Einzug Jesu in Jerusalem. Es ist wieder ein Fest das ganz im Zeichen der Ankunft Gottes auf Erden steht. Es ist wieder ein Fest, das ganz im hier und jetzt, die Zukunft in den Blick nimmt. Das Ziel ist die Ankunft des Herrn, das Ziel ist der Anbruch des Reiches Gottes, an dem wir – im besten Falle – ja arbeiten.

Der Film begleitet mich seit Wochen. Er ist so einfach und schlicht und ja, die Mönche sind mir gerade auch in dieser Überforderung Sympathisch. Aber ich weiß auch, dass das nicht die Antwort sein kann, die wir dem Herrn geben können. Daher ist für mich auch an diesem Tag, an dem wir so ganz lebendig die Anwesenheit Jesu Christi in unserer Mitte erflehen und in Zeiten von Corona vermissen, die einzige Frage die zählt: Sind wir bereit? Wie ist unser Stand der Dinge in Sachen Messias?

Dabei geht es nicht darum, dass wir uns irgendwie kampfbereit machen. Denn auch diese Bereitschaft, die Ankunft des Herrn zu erleben und zu ertragen dürfte schlussendlich Gnade sein. Es geht doch mehr darum ob wir es zulassen, oder?

„Wir sind nicht dazu geboren arm zu sein“ – sagt gleich zu Anfang des vorliegenden Filmes „Eine Geschichte der Armut“, Notker Wolf, selbst Benediktiner und zeigt damit, dass Armut unterschiedlich gewichtet ist, bzw. Armut eben nicht gleich Armut ist.

Nach einer ersten kurzen Nennung verschiedener Definitionen von Armut wird das Filmthema biblisch grundgelegt. Was steht dazu im Neuen Testament? Die Seligpreisungen werden hier genannt, (vgl. Lk 6,20, aber auch Mt 5,1 f.). Die unterschiedlichen Hervorhebungen der Gegensätze Arm – Reich werden angesprochen und die in der Apostelgeschichte zu findende Gütergemeinschaft (vgl. z. B. 4,32 – 5,11) wird vorgestellt. Nach der biblischen Grundlage wird das Thema der Armut und Gütergemeinschaft chronologisch anhand verschiedener christlicher Bewegungen untersucht: bei Benedikt und seinem Orden, Franziskus und den auf ihn sich berufenden Gemeinschaften und als dritte Stufe bei den Schulschwestern am Beispiel von Mary Ward und ihrer Gemeinschaft. Als letztes Beispiel wird Wilhelm Weitling (1808-1871) und der Frühsozialismus vorgestellt (gerade auch im Kontext des daraus erwachsenden Kommunismus durch Marx und Engels).

Der Film ist mehr oder weniger ein Zeichentrickfilm, wobei die Figuren eher wie Avatar erscheinen, die so manch eine ungewollte Komik in den Film bringen. Unterbrochen werden die Trickfilmszenen, die den historischen Verlauf erzählen, von kurzen Interview-antworten von je einem Vertreter der Benediktiner und der Steyler und einer Vertreterin der Schulschwestern. So wird dieser Film zu einer kurzweiligen Dokumentation, für den Religionsunterricht aber auch für den Unterricht in Geschichte und Ethik, denn die Fakten und die aufgegriffenen Beispiele sind seriös und bieten so eine gute Grundlage für weitere didaktische Vertiefung(en).

Eine Schwäche hat der Film, wie schon angedeutet, in der ungewollten Komik der animierten Figuren. Weiter fehlt diesem Film Hilfs- und Ergänzungsmittel für den Schulunterricht. Damit ist der Film in erster Linie für eine Themeneinführung im Unterricht sinnvoll, denn er bietet erste Informationen, die nachfolgend dann vertieft werden können. Inhaltliche Schwachstellen des Filmes sind vorhanden. Aber gerade diese können als Diskussionsimpulse zur Vertiefung, gerade kirchengeschichtlicher Themen, fungieren.

Das Thema der Armut und der Gütergemeinschaft bietet, so wie dies im Film aufbereitet wurde, einen guten Impuls um die Aspekte der Caritas, der Nächstenliebe und der Fürsorge im Christentum zu untersuchen. Besonders gelungen ist die Themenwahl gerade auch durch den Blick auf Wilhelm Weitling, der zu Unrecht oft vergessen, nicht nur einer der Impulsgeber der christlichen Soziallehre sein dürfte. Gerade die Auseinandersetzung mit Weitling könnte ein guter Ausgangspunkt sein für eine Beschäftigung mit dem Kommunismus oder mit den Bewegungen der Befreiungstheologie.

Der Film kann im Erzbistum Freiburg im Medienportal für den Religionsunterricht an Schulen auf dem Gebiet des Erzbistums, und von pastorale MitarbeiterInnen bestellt werden: https://www.medienzentralen.de/medium44916

Clara, ist Babysitterin. Alles ganz normal an diesem Abend. Das Kind schläft, sie hat Zeit. Dabei chattet sie mit ihrem Freund, schaut TV. Ihr ist langweilig, sie postet Bilder von sich auf Instagram. Während eines Telefonats mit ihrem Freund kommt ein weiterer Anrufer rein und sie bekommt einen neuen Follower auf Instagram, der auf einem Fake-Account sie auf einem Bild ihres Standortes taggt. Ihr kommt das gruselig vor und lädt ihren Freund ein zu kommen. Der Stalker wird penetranter; nach bearbeiteten Bildern von Clara kommt er näher – schneller als ihr Freund, der auf dem Weg ist. Schneller und näher sowohl in der digitalen wie in der analogen Welt.

Der Film arbeitet mit den aktuellen (2019) genutzten Social Media Plattformen und setzt sie in Ton und Bild direkt ein und spielt mit der Verbindung eben dieser Formen und klassischer Psychodramen. Die Protagonisten lernen wir über diese Kommunikationsformen kennen. Instagram, Whatsapp, Skype – zeigen uns die Personen und ihre Handlungen. Während Clara weiß, wie sie sich auf der digitalen Ebene gegen den Stalker wehrt, ist sie Handlungsunfähig gegenüber dem direkt anwesenden Stalker. Da sein – kann auch ihr Freund nicht in der Form, wie er es sollte oder könnte.

Der Kurzfilm greift in 9 Minuten eine größere Menge von Themen auf. Allen voran die Frage nach dem Umgang mit den Social Media, genauer mit persönlichen Daten. Nicht das posten selbst ist hier Thema, sondern die Tatsache, dass „jeder weiß“ wo Clara sich aktuell aufhält.

Die Privatsphäre ist ein weiteres Thema. Nicht allein räumlich, sondern ganz persönlich, wenn der Stalker nicht nur die Instagrambilder bearbeitet (und damit vorher an sich bringt) sondern auch, dass es möglich wird, dass er auch eine Kontaktaufnahme über Whatsapp vornehmen kann, was bedeutet, dass er die Mobilnummer besitzt. Das Übertreten der Distanzgrenze beginnt hier und nicht erst in der analogen räumlichen Nähe. Die veränderte Nutzung von Telefonen hin zu Endgeräten, die nicht einfach in der Wohnung stehen, sondern zu einem sehr persönlichen Teil des Lebens werden, verändern auch die Wertigkeit von Telefonnummern.

Und damit geht es dann auch auf einer Methaebene um die Datensicherheit und Speicherung und ein Hacken dieser. Ob bei Instagram oder bei Whatsapp, oder erst auf dem zweiten Blick ein Thema, beim mit schneiden von Tonsequenzen oder bei der Internetnutzung (bis hin zu Netflix).

Ein Themenbereich der ebenfalls noch angesprochen werden könnte, wäre das Thema „stalken“. Ab wann ist ein followen ein stalken? Und wie gehen User mit Stalkern um? Dazu bräuchte es auch nochmal unterstützende Maßnahmen, dass aus diesem noch immer bestehenden Tabuthemas ein Thema wird, das angesprochen werden kann und muss. Egal bei welchem Geschlecht, denn gerade bei männlichen Opfern schwingt hier noch verschiedene Hemmungen und Vorurteile mit.

Ist der Film „Follower“ nun gelungen? Ja, wäre die erste klare Antwort. Ja, solange die verwendeten Kommunikationsebenen aktuell sind. Denn in der Korrelation versteckt sich die Schwäche des Filmes. Jetzt, aktuell ist der Film ansprechend für die Zielgruppe 12 +. Die Frage ist jedoch wie eng die Zeiträume gesetzt sind, in denen sich die Plattformen verändern/austauschen und damit die Zugänge der Zuschauenden sich verändern. Trotzdem können für die aktuellen Situationen, gerade mit der DVD beigelegten Materialien, Impulse gesetzt werden zu einer Diskussion, zu einem weiteren Nachdenken. Mit Blick auf das Frankfurter Dreieck (Funktion – Gesellschaft – Interaktion) kann dieser Film, nur mit den passenden und ergänzenden Fragen, als Grundlage zur Diskussion und damit zu einer Ausbildung der digitalen Kompetenz genutzt werden.

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Viel bin ich auf Internetseite und in Social Media unterwegs und wer dies, wie ich tut ,entdeckt viel Hass und Streit auf diesen Plattformen. Er findet aber auch ganz viele Lebensfragen. Immer und immer wieder werden die großen „W“-Fragen gestellt. Und es gibt Anbieter, die Antworten präsentieren. Antworten, die immer wieder sehr fraglich, mindestens sehr flach, wenn nicht gar sehr gefährlich sind. Aber es sind Antworten!

Auch die Werbung erkennt das. Wer sich die Themen der „Regenbogenpresse“ anschaut, wer sich zum Beispiel Klips der „Bunte“ anschaut entdeckt immer und immer wieder die Verarbeitung von Werten, von Sehnsüchten eben von diesen Fragen, die ganz menschlich sind. Wer bin ich, warum bin ich da, gibt es etwas größeres als ich es bin, oder die Beziehungsfragen.

Musterbeispiel ist da sicherlich EDEKA mit seinen seit einigen Jahren gut platzierten Weihnachtsvideos, die ganz und gar auf den Grundsehnsüchten der Menschen, den Gefühlen nach Nähe, Sicherheit, Geborgenheit und Liebe einsteigen und damit Menschen ansprechen. „Heimkommen“, die Feier in der Familie statt sich dem Stress und den Terminen hinzugeben oder 2017 der Schlusssatz im Video „Weihnachten 2117“: „Ohne Liebe ist es nur ein Fest“.

Das WWW hat die Grundidee „Kommunikation“. Es geht darum Verbindungen zu schaffen. Es geht darum, Beziehungen tiefer zu führen. Vieles hat sich in eine andere Richtung entwickelt. Die digitale Welt, falsch oder sagen wir, zu eng gedacht, ist eher Trennung, Abschottung statt Verbindung. Das ist aber nicht das Problem des Angebots sondern der Nutzer.

Gerade in kirchlichen Kreisen wird Digital und ganz besonders Social Media immer wieder in einer ablehnenden, distanzierten Grundhaltung betrachtet. Wir müssen halt damit arbeiten, aber das ist gefährlich – solch ein Unterton findet sich immer wieder. Wer so denkt, der hat die Situation nicht verstanden. Wer so denkt, der schließt sich aus. Kirche denkt (oft genug) so und handelt (oft genug) so in alten analogen und digitale Welt verurteilende Denkstrukturen. Wer so denkt, wird nicht mehr lange bestehen.

Digitalität, die Grundidee von Social Media und vieles mehr, was wir heute haben, wird bestehen bleiben. Plattformen und Anbieter werden sich ändern. Die Idee bleibt. Und daher gilt es, die Idee als positiv anzunehmen und in diesem System so zu handeln, dass sich das entwickelt, was angedacht war: Beziehung.

Wenn Kirche diesen Wandel nicht mitmacht, dann wird sie zum letzten (heiligen??) Rest. Was aber absolut unlogisch ist, da eben genau dieser Raum, diese Form der Kommunikation Steigbügel ist für all dessen, was die Botschaft Jesu anzubieten hat. EDEKA und Co. machen es Tag für Tag vor. Es gab aus meiner Sicht nie eine bessere Chance, als die Botschaft Jesu Christi wirklich allen Menschen zu vermitteln. Wir müssen halt die Sprache und das Denken dieser Welt lernen und das in aller Offenheit und mit all der Freude des Evangeliums, die uns Christus geschenkt hat. Wer alte Missionsberichte, gerade der Jesuiten, ließt erfährt es. Mission, Glaubensverkündigung, schlussendlich jede Kontaktaufnahme, zum Ziel positiver Beziehung, ist nur erfolgreich in einer positiven Grundhaltung. Nur wer den anderen, die andere Kultur, die andere Situation kennen und verstehen lernt, kann in Kontakt treten. Kirche diskutierte dies im Kontext des II. Vatikanischen Konzils, der Afrika-Synode und zuletzt der Amazonas-Synode. Warum bekommen wir das nicht in dieser digitalen Welt hin und damit in der Kultur jener Menschen, die Kirche schon lange nicht mehr anspricht, denen sie aber so viele Antworten hätte, wenn sie (Kirche) endlich die Sprache und die Kultur lernt.

Es war für mich ein schöner Musikabend am vergangenen Mittwoch (16.10.19) im Stadttheater von Freiburg. Ob die Musik absolut höchsten Standard entspricht, kann ich als Laie nicht sagen. Mir hat es gefallen, auch wenn ich manchmal stutzte. Manchmal war mir das Orchester zu laut oder die SängerInnen zu leise. Manchmal fand ich das Zusammenspiel nicht ganz klar, aber das können nur subjektive Wahrnehmungen sein, die auch an meinem Platz liegen konnten.

Allgemein kann ich sagen, dass sich wieder meine These bestätigt hat. Opern in Freiburg kann man besuchen. Die Musik, die MusikerInnen und die SängerInnen sind gut, sie laden ein zum zuhören. Sie bringen durch ihre Leistung die Musik den Zuhörern nahe. In Freiburg kann ich die Augen schließen (wenn man den Text kennt) und der Musik lauschen und Fragen nachhängen.

Der SWR kommentierte die Inszenierung als „bleiernd und todernst„. Ich würde sie einfach nur langweilig nennen und nur bedingt eine komische Oper und ich stelle mir die Frage, welche Botschaften sollten da wieder übermittelt werden, die wer auch immer aus dem Text etc. herausgelesen hat.

Wie schon gesagt, MusikerInnen und SängerInnen haben mir sehr gefallen. Auch das Bühnenbild selbst und in sich betrachtet war wieder großartig. Eine Verneigung an die Handwerker, die solche Aufbauten leisten, mit all den kleinen Kleinigkeiten und Besonderheiten, die versteckt sind und während des Spiels verwendet werden.

Aber es bleiben eine Summe von warum mit Blick auf die Inszenierung?

Warum?

  • Muss dieses Stück in einem sehr amerikanisch-puritanischen Haushalt aufgeführt werden? Heben wir uns über die Spießigkeit dieser Zeit hinaus? Warum wird gerade nicht solch ein Werk historisch verortet? Oder wenn, dann bitte in einer echten Auseinandersetzung des Heutes? Es ist einfach langweilig, wenn Falstaff als Greace-Rowdy gewandet auftaucht.
  • Allgemein stellt sich mir die Frage, warum werden diese Personen so überzeichnet nach eigenem Gusto. Verdi bzw. sein Librettist Arrigo Boito haben die von Shakespeare gezeichneten Personen wunderbar bearbeitet und ihre Besonderheiten überzeichnet. Warum wird dies nicht genutzt?
  • Was hat das Stück mit dieser Überfrachtung von Unterhosen zu tun? Soll das Schocken? Fragen stellen? Wenn ja, dann frage ich dagegen: Ernsthaft? Kein Mensch schockt es im Zeitalter von „Blanck ziehen“ und Videos unter Röcken machen noch, wenn jemand sein Unterhöschen auszieht. Und die Herren in Schiesser Feinripp mit Eingriff – was es in Freiburg schon öfters (z. B. Warten auf Godot) gegeben hat – gereicht im besten Falle noch zu einem Werbevertrag mit der ehemals großen Marke. Einen anderen Sinn zeigt sich nicht, auch nicht wenn es um „die dreckige Wäsche“ geht. Dieser Aspekt ist absolut schwach gezeichnet und sehr fragwürdig platziert, wenn er denn gewollt ist.
  • Warum kriechen eigentlich inzwischen andauernd irgendwelche Leute auf dem Boden rum. Gerade die Sänger müssen gefüllt ganze Bilder lang auf dem Boden rumliegen.
  • Es ist eine komische Oper, so stehts auf dem Libretto. Das komische ist nahezu ausgemerzt aus dieser Inszenierung. Die „lustigen Weiber“ sind weg. Moralisierende Überziehungen in den Charakteren führt zu dem was Moral immer ist: Langweilig! Komisch wird die Oper allein an jenen Stellen an denen die Situationskomik herausbricht, da zwischen Text und dem Spiel Diskrepanzen auftauchen. Zum Beispiel, wenn Falstaff nach Glühwein ruft und Ewigkeiten später aus einer farblosen Flasche trinkt oder wenn er auf einem Haufen dreckiger Wäsche (nochmal warum) liegt und davon spricht an der Eiche zu sein oder gar, wenn es immer wieder um den Paravent geht und die Frage offen bleibt: „ei woh ist denn der“? (da rettet dann auch kein noch so großartiges Bühnenbild)
  • Wo bleibt die Komik eines Flastaffs wenn er im Wäschekorb steckt, wo bleibt die Ironie in seinem Lebenskonzept, wo bleibt die Komik des völlig „baden gegangenen“ Falstaff, der die Welt nicht mehr versteht. Wo bleibt die Schlussbotschaft, die Botschaft „Tutto nel mondo è burla, l’uom è nato burlone.“, die unter dem Geschrei des Chores in eine Dramatik sich wandelt, die meines Erachtens nicht Sinn der Sache ist.
  • Allgemein das Schlussbild frustriert absolut. Man mag sich ja daran gewöhnt haben, dass nun alles in einem gefliesten Keller stattfindet. Kein „schwarzer Jäger mit Hirschgeweih“, keine Feen, keine lustigen Weiber von Windsor, und die Verkleidung: Es bleibt allein ein frustriertes Aufstöhnen. Insbesondere die völlig gescheiterte Kleiderwahl der zu trauenden.
  • Wunderbar ist die kleine Szene im zweiten Akt. 2. Bild in der Ford mit seiner Eifersucht kämpft. Der Sänger zeigt solch eine Tiefe des Ausbruchs in seinem Spiel und seinem Singen. Es ist wunderbar, was da geschieht um die Ambivalenz aufzuzeigen und eventuell im Stück befindliche Fragen und Themen wirklich aufzugreifen (was nicht wirklich geschehen ist). Diese Szene wird dann wieder geradezu zerstört von einem weiteren Anflug von Zerstörung. In diesem Falle sind es Schallplatten, die völlig ohne sichtbarem Zusammenhang, zerbrochen werden und dann auf dem Boden zerstreut liegen.
  • Allgemein stellt sich die Frage, warum so viel zerbrochen, herumgeschmissen wird und warum z. B. daher Mrs. Quickli (übrigens eine Freundin von Frau Ford und keine Haushaltshilfe wie hier) und andere andauernd zum Aufräumen rumlaufen müssen.
  • Ein Punkt fällt mir im Vergleich zu anderen Inszenierungen auf. Das Stück lies eine gewisse Schnelligkeit vermissen. An vielen stelle war das Werk sehr lang, fast getragen. Es fehlte die Spontanität, die quirlige Situation – eventuell zeigt sich das an Mrs. Quickli, die alles andere als quickly war.

Nochmal: Es war ein schöner Abend im Theater in Freiburg bei der Oper. Es wäre ein Genuss wenn die Inszenierung – das gilt für die meisten – endlich wieder mehr an den Stücken und deren tiefgründigen Botschaften halten würden, als an den Botschaften der im Theater Verantwortlichen.

Das Theater ist aus meiner Sicht heraus ein Ort in dem durch Musik und/oder Spiel tiefgreifende Erfahrungen dem Zuhörer nahe gebracht werden. Dabei ist es mir schon wichtig, dass der Zuschauer nicht in einer Wohlfühloase sich einrichtet sondern auch herausgefordert wird, zum Nachdenken, zum Zuhören. Kunst soll bilden durch Unterhaltung. Was aber hier immer wieder gezeigt wird ist kein wachrütteln, sondern ein langweiliger Versuch zu schockieren zu moralisieren, zu thematisieren, in einer Form, die im besten Falle aufregt oder die jede Ästhetik beleidigt, die im schlimmsten Falle dazu führt, dass man nicht mehr ins Theater/Oper geht, weil es einfach – und das habe ich schon ein paar mal gesagt – langweilig ist.

Fazit: In die Oper sollte man, die Musik ist gut, diejenigen auf, unter und hinter der Bühne liefern eine großartige Arbeit ab. Man sollte sich jedoch vorbereiten und versuchen sich von der Inszenierung nicht ablencken zu lassen.